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Celeste Dupuy-Spencer: But the Clouds Never Hung So Low Before
Texte: Gespräch zwischen Celeste Dupuy-Spencer & Louise Bonnet


Englisch
Hardcover mit eingelegtem Booklet
28 x 28 cm
40 und 8 Seiten
22 Farbabbildungen
978-3-947127-29-0
35,00 Euro

 

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Ich habe keinerlei Bedürfnis, das Medium zu zähmen, es für mich arbeiten zu lassen. Wenn ich male, will ich nicht die ganze Zeit die Kontrolle behalten. Es muss ein Geben und Nehmen sein. Es geht um diesen Moment, wenn ich vom Bild zurücktrete und denke: „Ich habe keine Ahnung, wie ich das jetzt gemacht habe. Oder warum ich es gemacht habe.“ — Celeste Dupuy-Spencer


Jedes Gemälde von Celeste Dupuy-Spencer ist eine Welt für sich. Die mit glühenden Farben gemalten Bilder beziehen ihr Material aus einer ikonografischen Mischung aus Wirklichkeit und Fantasie, Profanem und Heiligem, Leben und Kunst: Ritter in voller Rüstung, die von einer Klippe reiten; Bereitschaftspolizei, die während eines Straßenkampfs wie berauscht durch den Tränengasnebel lächelt; Weltenherrscher auf einem Balkon, die von einem Tod auf weißem Pferd mit feurigem Blick attackiert werden; ein zweifelnder Krieger, der am heimischen Spültisch über den Sinn seines Opfers nachdenkt. Dazwischen wie Inseln Bilder von der Natur, der Liebe, der Weltflucht. Dabei ist es nicht die komplexe Ikonografie an sich, die das Bild beherrscht – die Kompositionen entwickeln sich in einem offenen Malprozess auf beeindruckende Weise aus der Farbe. Malerei ist für Dupuy-Spencer ein existenzieller Akt, wie sie in ihrem Gespräch mit der Künstlerin Louise Bonnet bemerkt: „Bei jedem Gemälde gibt es diesen Augenblick, in dem ich an einen bestimmten Punkt komme, an dem all meine Energie in das Bild geströmt ist, und dann plötzlich schaut mich das Bild an. Dann geht es nicht mehr um meine ursprüngliche Vorstellung davon. Das Bild ist jetzt aufgewacht und Bilder interessieren sich nicht für Ideen. Stattdessen geht es darum, wie sowohl ich als auch das Gemälde auf jeden Pinselstrich reagieren. Es ist ein Dialog entstanden.“


DROPPING A BAG OF MARBLES
(Auszug aus dem Gespräch zwischen Celeste Dupuy-Spencer und Louise Bonnet)


Louise Bonnet: I was wondering how you handle not knowing if what you are doing is good or bad and if you should care. Or maybe you don’t have this problem when you paint?


Celeste Dupuy-Spencer: I don’t know that I necessarily consider that a problem. Some paintings I jump into and somehow it just feels like time is flying, you know? And often with those paintings I become sort of hyper fixated on them and I have an understanding that I’m onto something good. Even in the earliest stages, I can see it, and I’m excited, and I love it. But then there’s those times where I start a painting and I can tell right out the gate that the drawing’s not great. I can tell that the idea’s not really great. But for some reason I can’t erase it. Not to say that I’ve never scrapped a painting … At this point, I’ve had enough experience with really bad paintings that stem from really bad drawings to understand that it’s actually an interesting way to make a painting. It’s sort of this mathematician who has all these numbers (this might only be Hollywood) but they have their equation on the board and they’re going, “This can’t be right, this is wrong, this is impossible.” But they keep on working at it and, all of a sudden, all of those numbers that can’t be right are actually the equation for this thing. So its incorrectness ends up being the thing that is the painting.


LB: That’s true, sometimes I realize what’s good about the painting is what escaped me.


CD-S: So there are certain paintings where literally the whole process is: How do I make this bad painting—without changing it, without erasing it—how do I make this painting stay true to itself? How do I make this bad painting into a good painting?


LB: Right. So, the whole thing is a bit of a battle … I’m usually happy when the paintings are done and they’re not in front of me anymore because I’m not sure what I am looking at. I can also change my mind afterwards about the works; when they are out into the world, I see them differently. But you have a different approach, right? You really get attached to them?


CD-S: Yeah, I really do. I sort of form a relationship with the paintings. You know, by the time a show ships out of my studio I’ve been living with these for about a year and they’re often the only things that I interact with. Just about 85 percent of my life is spent with these paintings. To a point where I allow myself to sort of go into it, where it feels like an actual real relationship, you know? And when they leave my studio it is a painful moment for me … Because it’s an ongoing relationship, where interaction is the relationship, there is not a moment when the painting is done. As long as I can work on it, I want to. I’m never working towards the goal of some finished state. There’s not a finished painting in my mind which I’m working towards, there’s just interaction …

 

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In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler Berlin | Paris | London